2020北京喜剧周学术论坛：在线终成必然？在场不再必须？

　　疫情后恢复的首个戏剧节 2020北京喜剧周学术论坛探讨——在线终成必然？在场不再必须？

　　作为疫情后北京恢复的第一个戏剧节展，办到第四年的北京喜剧周将重心从剧场转移到了网上，18个剧目线上放映，三场演出活动现场直播。这是疫情之下的被动操作，也是试水戏剧线上发育的主动选择。

　　互联网、新媒体横扫一切的威力，包括打破传统剧场的欣赏方式。这引发对“戏剧”定义的思考，也会令人担忧当戏剧越来越依赖网络传播渠道，是否会被虚拟世界和新技术反噬。

　　2020北京喜剧周举办的学术论坛，围绕“在线演出”与“在场演出”、“泛娱乐时代，剧院喜剧应如何发展”及“时代审美与喜剧创作的关联”等议题展开讨论。

　　陶庆梅(中国社会科学院文学研究所研究员)：

　　疫情是新技术侵蚀舞台的加速器吗

　　今年特殊的情况让我们重新思考戏剧如何连接观众、戏剧未来的发展方向。

　　如果疫情停止，戏剧可能会回到原来的状况，恢复剧场性的人和人之间没有距离的演出，舞台演出为主体，线上为延展。

　　还有一个可能，是线上只不过加速了新技术对舞台演出侵蚀的速度。新的技术手段给传统舞台演出新的冲击，意味着剧场演出本身的形态也会有一些调整，比如让弹幕这样的新技术和新方式介入到现场演出中去。

　　我一直有疑问，NT Live(英国国家剧院现场)的剧场拍摄目前是全世界做得最好的，是不是只能走这一条道路，也许技术介入还会带来新的方式。

　　自NT Live进入中国，对剧场演出如何进行影像转化有了一些推动。但是“形势比人强”，NT Live的推动不如疫情的推动更直接，等于强迫必须转化。NT Live只不过是一个标准和方向。

　　疫情之后，这个生态链上的各个环节的自觉和共识，差不多刚刚开始形成。虽然我们看着NT Live好像有点高不可攀，但是我们自觉了，在行业内部和政府部门之间逐渐形成共识。希望更多机构共同推进，更好地制作线上戏剧，服务于现场，让戏剧的生态更健康，形式更丰富。

　　李东(中国国家话剧院制作人)：

　　疫情之下的线上戏剧是被迫的，因为还没有找到盈利的办法

　　现在国内看到的戏剧高清制作和播出的“新现场”是2015年我引进的。当时在跟英国国家剧院做交流，他们有一个多媒体艺术部，我以为它类似于我们的资料部门，负责录像、留存艺术档案。这个部门就三个人，部门领导人特别有意思，是一个厨子，但他是个有艺术博士文凭的厨子。

　　最早搞高清直播的是美国大都会歌剧院，之后是英国国家剧院。目前为止，“新现场”里面很多剧目都是请英国国家剧院来做的。一是需要技术支持，二是需要很大的资金。录这样一部片子，2014年在英国本土需要六百万人民币。我当时觉得这在中国有非常大的前景，我们的技术条件完全没有问题。

　　我在他们的影院里看过高清放映，是戏正在剧院演出并拍摄的直播。观众在影院看直播非常舒适，可以喝可乐。影像播完全场起立鼓掌，大家会很自然地有身临其境的感觉。

　　我也在剧场看过正在拍摄和直播的戏。这场戏在售票的时候就会注明是有直播的，明确告诉观众拍摄会遮挡哪些角度，所以这场演出的票价会便宜一点儿。但是很多人喜欢看这种场次，现在大家看演出的兴趣点也不一样，不一定是要找一个好位置，完全不受干扰，了解这个场面也很有意思。

　　NTLive拍不同类型的戏有不同的影像导演，拍摄过程是舞台和影像两个团队一起工作，要试拍三次，之后两个团队到影院里一起看，对表演、灯光等进行调整。

　　影像直播要解决观众想看戏但无法到剧场的问题。现场演出规定时间和地点，在今天最大的问题是时间成本太高，跟钱一点儿关系都没有，很多免费演出没有人看，花很多钱的演出有人看。影像直播让很多人在其他空间实现观看。在有时差的地方，比如中国，以放映拷贝的方式观看，但是合同会要求得非常细致，对还原声音等非常严格。

　　高清拍摄技术出现后，大家关心两个核心问题。第一，线上是否可以替代线下。第二，有了放映之后，剧场的票房销售是否会受影响。我认为，线上永远不可能替代线下。线上的直播，解决的核心问题是让无法到剧场的观众观看，以及让想看的人用比较低的价格看到演出，这就增加了观众体量，如果这个演出观众看得很过瘾，一定会到现场看。

　　疫情之下中国戏剧做的线上是被迫的，因为到现在根本没有找到变现的办法，到线上变现无非就是广告模式和付费模式。线上对目前现场的演出是一个很好的补充，但远远没有实现盈利。线上都盈利不了，怎么在线下盈利？所以还是在概念和初步的探索阶段。

　　杨乾武(北京戏剧家协会副主席)：

　　线下是存量，线上可以大大开发增量

　　戏剧行业，线下是基础、根基、源头；线上是翅膀，帮助你飞得更远、更宽、更高。但是我们的戏剧行业还没有心理准备，尤其是国有院团，普遍保守，还在担心版权。

　　观众是最聪明的，就要好作品。好的反复听、反复看，不好的，拉倒吧。人有天生的孤独感，天生愿意扎堆，发现一个好东西，只要有机会就会去扎堆。我几年前说过，今后英国的戏剧在中国最有市场，因为有英国国家剧院现场先行。在全国一二线城市的放映，已经培养起一大批年轻观众和粉丝。最典型的是《深夜小狗神秘事件》，票卖得非常火。

　　两个月前我通过文化部的线上展演看了舞剧《永不消逝的电波》，后来又去看了现场，我觉得二者恰恰可以互补。视频里，民国范儿的美女细腰、高挑，加上音乐，美极了，我第一次发现《渔光曲》这么好听。我觉得现场达不到这个美，因为现场空间大了，把局部的视觉美稀释了。

　　在戏剧现场，《永不消逝的电波》最后戏剧空间充分发挥的时候，两边像蒙太奇一样同时展开戏剧场景，戏剧思维形成的冲击力，视频达不到。

　　线上可以多角度地满足人们的消费需求，只会扩大剧场演出产业，不会让它消失。这就可以用到经济学的增量和存量的概念。线上可以大大开发增量市场。中国的戏剧为什么那么小众？因为就在存量市场打转。

　　欧美国家就是存量市场为主，存量市场是做精，一路精下去，一路独特下去。中国有巨大的文化增量市场，开发根本还没有开始。希望疫情给我们带来机会，让更多人走进市场，这是给中国戏剧恢复文化生态的机会。

　　文娟(开心麻花剧场院线总经理)：

　　讽刺有力度同时又能保护好自己，是挺大的一个挑战

　　在线上看剧场产品，跟在线上看喜剧电影、综艺没有差别，都是一种娱乐消遣的方式和手段。当我们把戏剧变成一个线上产品的时候，就必须得考虑线上的观演习惯、镜头语言以及投资回报。

　　线上运作好产品成本很高，戏剧爱好者的体量很小，在疫情之前，“麻花”也多次讨论过线下产品能不能直接变成戏剧电影放到网上去。讨论的结果是，我们没有NT Live的专业体系，无法达到实现商业变现的流量，所以我们更多地把线下打磨好了的喜剧本子变成了综艺短剧、电影。

　　作品的质量是基础，如果线下的基础不好，上综艺、上哪儿也不会好。而且不能把剧场作品直接放到线上，针对不同渠道要有不同的制作方式。某种程度上来讲，线下演出没有那么挑角，但是如果追求线上的流量，还是要用明星。这是一个蛮综合的产品模式。

　　有可能未来技术达到了，商业模式也OK了，“麻花”会有一部分电影和戏剧在线上首发。这个方式未来是有成长空间的。

　　疫情期间“麻花”做了蛮多的线上尝试，但是基本上没有线下剧直接搬到线上。因为直接搬上去不好看，演员表演显得夸张。3月份我们推出了一个线上短剧。团队本来考虑把去年成熟剧目的一个片段放到线上去，最后这个方案废掉了，因为就是不好看。如果没有足够的灯光音响和拍摄配合，拍出来也比较糙。最后我们在十几天时间内，把《贼想得到你》的主题拿出来重新变成一个小品，同时用了沈腾、艾伦、常远、晓宇等“麻花”核心艺人资源演出。这个作品点击量还可以，毕竟用了大量的明星。

　　另外，我们在两个月前参加了大麦和优酷做的2020华语音乐剧大赏线上直播的活动，把《醉后赢家》《恋爱吧！人类》两部戏的片段放到线上。当时《醉后赢家》是最出圈的产品，在微博上的热度非常高，给我们线下带来了巨大的流量，“麻花”8月25号复演演的就是这个戏，线上给了我们非常好的引流，对线下产品的扩圈起到了非常大的作用。后来我们再做线下演出，跟线上渠道一起做了很多探班、跟演员互动等活动，吸引更多年轻观众通过线上知道这个戏，他们如果能克服时间、空间、金钱的距离，就能够走进剧场看演出。

　　我们现在觉得喜剧越来越难做。因为观众的笑点越来越高。我们面临的是观众无限的智慧。剧场是我们的基础，同时也在新媒体平台上不断寻找优秀的喜剧创作者，关键是要给他们稳定的生活来源和发展出口，这是吸引喜剧人才特别重要的因素。

　　这两年我们在艺人签约上还是比较谨慎的。但是我们前两天讨论的结论就是，一定要签年轻人，90后、00后，这样才可能具备长期内容发展的可能性。我们现在大范围地往综艺剧疏送人才。

　　喜剧往前走，肯定还是要有足够的时代背景，但是“麻花”有几个点是一定不会变的：坚持做喜剧、坚持主流的价值观、要讲一个好故事，做普通人的故事、小人物的成长故事。还有尺度的拿捏，因为这几年不是那么开得起玩笑了。喜剧本来就是调侃、讽刺的，怎么能够有力度，同时又能保护好自己，也是挺大的一个挑战。

　　王洪波(中国对外文化集团新闻总监)：

　　已经看到了一些“线上的曙光”

　　今年疫情是一个特别重要的节点，就像划分了公元前和公元后两个时代。

　　戏剧来到线上是趋势，疫情只不过是一个助力。没有疫情，这个趋势也不可阻挡，有了疫情还看不到这个趋势，就得等死。很多院团、演出机构既想抓住这个趋势，又有点担心被侵蚀，毕竟剧场是我们的长处，去做线上是舍长取短。

　　今天是一个多媒体的时代，舞台也是媒体之一，从舞台转化到其他多样的新媒体形式，创作者和观众都会面临新的立场和新的互动方式，也会产生新的理论和新的实践，并不是简单的谁替代谁的问题。

　　我提供一组数据说明疫情的影响，截止到6月30号，上半年我们集团国内的演出是163场，观众17万，去年同期为711场，观众67万。上半年在国外的演出是91场，观众6万，去年同期是1073场，观众149万。

　　也有一些小例子让我们看到了线上的曙光。5月9日是我们旗下的广州大剧院十周年院庆，我们搞了一个十小时的线上直播，34个国家和地区的180多位艺术家参与，国内大大小小80多个视频平台参与直播，当天点击量是7000万，到第二天中午达到1.3亿。一个剧院搞十周年的院庆，得有多大的面子能请到这么多艺术家，但疫情期间，我们一个电子邮件发过去，艺术家们基本上都没有任何迟疑，立刻回复参加。因为不受时空的限制，他们在家里面就可以把祝词、演唱片段完成，在线上跟大家分享。

　　这个尝试成本很低，就是少量的人力成本，也没有想它的商业模式，现在想哪怕卖一块钱的票，好像也蛮可观的。但是从这件事情看到了线上巨大的能量。

　　关渤(国家大剧院剧目制作部副部长)：

　　探索线上与剧场的和而不同

　　让观众因独特魅力为线上付费

　　很多行内人都期待疫情结束后出现报复性消费，但这个现象没有到来。现在比较现实的工作目标，是跟观众一起慢慢促成演出环境复苏。

　　我参与了国家大剧院《西望长安》和《玩偶之家》两个剧目的录制和播出。线上不仅仅是对线下的补充，而是要通过摸索，形成具有相对独立艺术品格的线上作品。

　　《西望长安》的拍摄以观众席的机位为主，演员还是面对观众席式的表演方式。《玩偶之家》做了一点儿调整，在舞台上安装了机位，从舞台反打到观众席，演员和观众席发生视觉关系，让观众看到不一样的角度。

　　现场艺术和视频艺术非常不同。在剧场里，不管是歌剧、舞剧、话剧、音乐剧，特别强调假定性；视听产品更多的要求真实性，画面多么刺激，演员的表演多么细致，镜头特写推上去多么好看。我们为了让演员在镜头前更容易被观众接受，还修改了演员的面部妆容。

　　在线上和线下演出结合的过程中，视频导演在原剧基础上进行再创作，形式、语汇可能会和舞台戏剧表演略有不同，既要保证把原有作品的内容和魅力传播出去，又要通过视听手段让视频成为能够独立存在的作品。

　　我们希望未来能够提供给观众的线上作品，审美价值与剧场和而不同，让观众愿意为了这部分独特魅力而付费观看，而不仅仅是为了节约成本才选择线上看戏，线上产品拥有自己独特的审美价值和艺术魅力，这是未来我们想去探索的。

　　我们目前线上的放映都是免费的，制播成本由剧组承担，也会获得少许补贴，但是解决不了全部成本，必须要找到一个良性的回报方式。

　　文/天真 【编辑:丁宝秀】